AICA PR: Es hora de ponserse a trabajar

AICA-PR: Es Hora de Trabajar

Uno de los eventos más importantes para la cultura y la economía de las artes en la isla comienza en dos semanas, hablamos de la feria internacional Circa. Alrededor de la feria, en la periferia, cientos de artistas montaran exposiciones y eventos en saludo a la misma. Estos artistas, nuestros artistas, a quienes la economía y muchos coleccionistas locales han olvidado, se encargarán de demostrar la vitalidad de la escena. Sin esa escena Circa no puede prosperar; no es vital, no es emocionante para los que de afuera visitan. Sin esa escena local no existe el futuro. Circa y el mercado internacional entienden esta coyuntura histórica, por tal razón Circa ha abrazado la periferia.

¿Pero dónde están los críticos de la AICA-PR?

Como escritores de las artes debemos entender, apreciar y respetar que los recursos y esfuerzos en que incurren nuestros artistas, que en este momento histórico son monumentales. El alquiler de una espacio, la promoción del evento y la producción de la obra son costos que la escena no va a recuperar. Sin embargo, como buenos profesionales, los artistas siguen trabajando por la cultura.

Al día de hoy la AICA PR no ha comentado, ni aportado, ni asistido como grupo a los diversos foros públicos sobre la crítica del arte ni la debacle del mercado de las artes locales. Ni siquiera han producido un editorial sobre Paseo Caribe, las galerías que cierran, los galeristas y dealers corruptos que le han dado un mal nombre a la isla y afectado negativamente la carerra de artistas, los hallazgos arquelógicos de la presa Tibes en Ponce y la situación del MAC.

No queremos más pergaminos fatulos, (adjudicados por los mismos galeristas-no es secreto), como premios a exposiciones que la AICA nunca visitó. No queremos más ceremonias de fichureo, ni titulos, no sobrecargos en ensayos por ese título de "miembro de la AICA." No queremos más promesas ni excusas de "mucho trabajo familiar."

Lo que queremos es acción, que se ganen el título y el respeto de la escena. Queremos que cubran y escriban, hasta en una servilleta, sobre lo que vieron, lo que les gustó, lo que odiaron y lo que creen.

Queremos que tomen una posición, tienen la capacidad y la experiencia, de eso no hay duda, pero queremos ver esa capacidad y esos conocimientos en práctica. Es su responsabilidad social aportar a la cultura. Los queremos ver por Circa, pero sobretodo fuera de Circa, no solo cacheteando ni aprovechándose de la fama de pasadas glorias, sino ESCRIBIENDO.

Para que se enteren dónde esta la cosa, aquí el calendario más extenso y detallado de la isla: Donde veo arte

en *Da Blog documentación sobre arte que se lo tragó el mar




Ver más en Da Blog


En guerra avisada... No muere TANTA gente.
Para el 2003, el diseñador industrial Reynold Rodríguez creó la pieza funcional "Silla de Salvavidas". Estas estaban destinadas a hubicarse en una playa de Vega Baja y una en Viéquez.


Estas sillas fueron construídas en concreto armado, fiber glass y stainless steel.

Según entiendo, al comité encargado de evaluar las propuestas, se les advirtió mediante cartas escritas que la playa que se había escojido no era apta para esta instalación debido a las marejadas que cada cierto tiempo ocurrían en dicha playa de Vega Baja. La carta existe. Incluso se les recomendó otras playas mucho más seguras para estas piezas instaladas en la arena frente al mar.

El comité a cargo, no hizo caso de la advertencia y decidió de todas maneras que las sillas se instalarían donde se había decidido.

Es cierto que lo que sucedió el 20 de marzo en nuestras costas no fué algo normal. Pero las playas recomendadas no sufrieron este embate y posiblemente hubieran subrevivido.

Fotos de la propuesta:
http://www.celsoportela.com/html/d_web/artepublico/html_espanol/ambitos/arte_funcional/salvavida/index.htm

¿Qué estudios se realizaron para la hubicación y seguridad de estas piezas?
Y ahora, las volverán a instalar? En el mismo lugar?
We'll see...

Incierto el valor de la obra de Tefo (antes de Tió y después de Tió)






El Huevo Día me esta sorprendiendo en estas semanas con su desmedido interés por El Tefo. ¿Será que alguno de los Ferré quiere salir de su colección de Tefos o que quiere invertir en Tefos? Ya están los vendedores de arte secundario salivando. Lamentablemente el Día se les adelantó. No van a poder vender Tefos a sobreprecio. ¿Por qué? Tal y como aclara el artículo (que esta buenísimo by the way), Tefo no tiene mercado fuera de la isla. El valor de su obra no sube con el aprecio que le tenemos ni con su muerte. El ser un artista bohemio y buena gente con 'to el mundo en la calle no lo convierte en un genio en el mercado. Mucho menos ayuda a la causa que la Teresa Tió este promulgando tanto disparate sobre su arte en los medios.

Finalmente se destapa la olla de grillos: Fama regional no es sinónimo de relevancia artística en el mercado del arte internacional.

¿Cómo es posible que la obra de Tefo se venda igual que la de un artista jóven reconocido como José Lerma? A $30,000 estacas mientras el Museo de Bayamón paga más de 50,000 toletes por el trabajo de Augusto Marín.

Por años amateurs les tomaron el pelo, no fueron solo los especuladores sino galeristas, museos de mentira y pseudo- curadores. Y la prensa querida nuestra-una partida de especuladores que ahora trata de curarse en salud. ¿Y cómo es posible que hasta el día de hoy no se tenga un inventario de la obra del Tefo? ¿Inepetitud, ignorancia? Por favor, ya empezamos otra vez con más mentiras.

Cuidado con los que traten de vender algún Tefo por debajo de la mesa porque no sabemos de donde salió.


Incierto el valor de la obra de Rafael Tufiño
El patrimonio pictórico del “Tefo” comienza a ser objeto de especulaciones.
Por Cynthia López Cabán / cynthia.lopez@elnuevodia.com


¿Aumenta de valor una obra de arte cuando su autor muere? Sí, pero ese incremento no sigue un método o una fórmula automática.

La galerista Judith Nieves Lacomba y Marisol Nieves, subdirectora del departamento de arte latinoamericano de Sotheby's explicaron a El Nuevo Día Domingo que la subida obedece a la paralización en la producción de los trabajos que supone el deceso del artista. También se toma en cuenta la calidad de la obra y su exposición. Precisamente éstos son los elementos que se comenzarán a sopesar ahora respecto de la obra del maestro puertorriqueño Rafael Tufiño, muerto la semana pasada a los 86 años.

Judith Nieves, dueña de la Galería Prinaldi y representante de Tufiño, anticipó que el precio en el mercado isleño subirá antes que a nivel internacional. Esto sucede por varias razones. El trabajo del Tefo -como se le conocía al pintor- se conoce mejor en su tierra.
“Pese a que tuvo presencia en Nueva York, fue mayormente en la comunidad puertorriqueña. No se desplazó más allá de esa comunidad y su obra está muy temáticamente vinculada a la cultura de la Isla. Eso limita el potencial de crossover”, apuntó la ejecutiva de Sotheby's en entrevista desde su oficina en Nueva York.

Además su participación en subastas fuera de la Isla fue escasa. No aparece en el registro de Christie's y en Sotheby's, sólo logró vender cuatro cuadros entre 1997 y el 2006. Los óleos subastados son Mujer con gato, Los alegres de Hato Tejas, Retrato de Carlos Raquel Rivera y Rosa con gato. Los precios oscilaron entre $20,700 y $36,800.

El último cuadro, Tefo, pintado en 1967, se presentó hace dos años y no se vendió. Pertenece a un coleccionista privado. Sotheby's lo volverá a presentar en su subasta de mayo, fecha que se escogió antes de la muerte del pintor.
El pintor del pueblo

Marisol Nieves también enfatizó que no se puede confundir el precio que el mercado adjudica a una obra y su valor artístico y estético.

“Tufiño es un artista muy querido y muy importante dentro de la historia del arte de Puerto Rico”, afirmó.
La curadora de la exposición retrospectiva “Rafael Tufiño: Pintor del Pueblo”, Teresa Tió subrayó que su obra se distingue por su búsqueda de lo puertorriqueño.
“Él toca la raíz de lo que la gente siente que es”, apuntó la ex directora del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP).

“Esa exploración no se queda ahí, es tan genuina y profunda que trasciende lo inmediato, lo emocionalista. Es un verdadero artista cuyo lenguaje puede tocar a cualquier persona”, agregó.
Tió no pudo precisar la cantidad de piezas que Tufiño creó a lo largo de su vida porque no existe un inventario o catálogo razonado de su patrimonio. Estimó que pueden existir entre 200 a 300 pinturas y unos 300 carteles. La cantidad de dibujos es “ilimitada” porque Tufiño cargó su libreta y sus lápices a todas partes.

A falta de un inventario, tampoco se puede estimar el valor total de la obra de Tufiño. El ICP tasó hace varios años su colección, que incluye 13 pinturas, pero se negó a ofrecer la información amparándose en una política interna. Esta colección contiene algunos de los trabajos más importantes de Tufiño como los óleos: Goyita, un homenaje a su madre, Nitza, en honor a su hija; Ramón Emeterio Betances y el mural Las plenas, que se encuentra en el Centro de Bellas Artes. La Goyita, una pintura del 1953, es una pieza clave en la obra Tufiño. Este retrato de su madre representa la típica mujer caribeña acostumbrada a trabajar duro y a enfrentar con entereza las dificultades económicas de su época.

Otras piezas se encuentran en colecciones privadas, en el Museo de Arte de Puerto Rico, en el Museo de Arte de Ponce y el Museo Metropolitano de Nueva York, entre otros.
Pero una idea del valor actual de algunas de sus piezas se obtiene mirando la obra de Tufiño en la Galería Prinaldi. La colección, cuyo 80% pertenecía a Tufiño, tiene piezas que oscilan entre $2,000 a $30,000.
Congelada la venta

Por ahora, las obras del pintor no se pueden vender hasta que se aclare la nueva titularidad de las piezas. La galerista desconoce si existe un testamento y aguarda por una reunión con los cinco hijos para discutir este asunto y los nuevos precios. El otro 20% de la colección, que le pertenece a ella y otros coleccionistas, sí puede ser vendida.

También queda pendiente en el Tribunal Federal un pleito que Tufiño radicó contra su hija Nitza para que ésta le devolviera 136 piezas que integraban la exhibición retrospectiva “Rafael Tufiño: Pintor del Pueblo”.
La pregunta que queda rondando en el aire es por qué Tufiño vivió de forma modesta y necesitó la ayuda de amigos para cubrir sus gastos médicos si contaba con un gran patrimonio pictórico. Tal vez el mercado entregue más pistas al respecto en los próximos meses.

MAC y sala Draco, les presento a UBU WEB

Y esto es un servicio gratis, por si acaso...


UBU WEB

Pa los que lavan chavos con arte

una lección...por eso digo, aprendan a hacer bien las cosas, con gente que sepa, sean selectivos, porque la tortilla se puede virar:

Found: paintings from the collection of Brazilian money launderer
A Léger and a Basquiat belonging to Edemar Cid Ferreira have been identified

Charmaine Picard | 6.3.08 | Issue 189
The Art Newspaper

Cid Ferreira before his arrest

NEW YORK. Two paintings, that went missing after a federal judge ordered that the art collection of convicted Brazilian money launderer Edemar Cid Ferreira be confiscated in February 2005, have been located.
Advert


British authorities are currently holding Fernand Léger’s painting Les Papillons (1937). The work was withdrawn from Sotheby’s Impressionist and Modern Art evening sale on 5 February at the request of Brazilian law enforcement officials. The same painting had failed to sell at Christie’s New York on 9 May 2007 (est $1.5m-$2m). It was consigned to both auction houses by the same seller.

In the US, federal prosecutors filed court papers on 13 February requesting permission to seize an $8m painting by Jean-Michel Basquiat that was smuggled into the country.

Jorge Barbosa Pontes, director of Interpol Brazil, told The Art Newspaper that Basquiat’s Hannibal was offered to a US art dealer who alerted Brazilian investigators to its whereabouts. Court documents state that the painting was shipped from London to New York in August 2007 with a declared value of just $100. Acting on a tip from Brazilian officers, US Customs agents seized the painting from a storage facility in New York in November.

The two paintings are part of a group of 29 works currently sought by Interpol that include paintings by Francis Picabia, Robert Rauschenberg, and Cy Twombly, along with sculptures by Henry Moore and Anish Kapoor, among others (see right).

In 2006 a Brazilian court sentenced Mr Cid Ferreira, a former president of the São Paulo Biennial and founder of the non-profit organisation Brasil-Connects, to 21 years in prison for bank fraud and money laundering associated with his role as the head of the failed Banco Santos, which left behind $1bn in debts. He is currently free pending appeal. His lawyer was unavailable for comment.

The missings works

Paintings: Rufino Tamayo, Dos Figuras; Cy Twombly, Untitled; Frances Picabia, Les Calanques; Jean Dubuffet, Lieu Rouge au Chateau; Roy Lichtenstein, Modern Painting with Yellow Interweave; Robert Rauschenberg, Switch (Sauvage); Serge Poliakoff, Composition Abstraite; Joaquín Torres García, Figures dans une Structure; Miquel Barceló, Jaune avec Trous; Tracey Moffatt, Invocations (two works); Adriana Varejão, Tongue with Flower Pattern; Feng Zheng-Jie, China under 14

Sculptures: Henry Moore, Woman; Anish Kapoor, Untitled; Arcangelo Ianelli, Untitled; sculptor unknown Roman Togatos

Photographs: Julia Margaret Cameron, Kate Keown; Child’s portrait; Herbert George Ponting, The Hut at Cape Evans, Looking over to the Borne Glacier at Noon in the Fading Daylight; Nan Goldin, Siobhan and the Woods, Provincetown; Raoul Ubac, Mannequin of Salvador Dalí; Vik Muniz, Migrant Mother, After the Lange (Pictures of Ink); After Richard Serra (Pictures of Dust); Brassaï, Les Agents avec une Prostituée; Burt Stern, Portrait with no name; László Moholy-Nagy, Portrait with no Name Source: Interpol, Brazil

nuevo site para arte publico en deterioro y otros temas...

Pablo Rubio en cantos

Una buena idea...y el Nuevo Día sigue bien atrás:

Arte Público en deterioro

Hace un tiempo salgo a caminar y casi donde quiera que uno camina se encuentra con arte público reciente y no reciente, malo y bueno. El punto que me lleva a escribir y documentar es el estado en que muchas de estas piezas se encuentran. Luego de invertir tantos miles en estas piezas para crear un ambiente donde la cultura sea parte de la vida cotidiana de este país, estas obras lo que dan es grima y pena. No hay plan de mantenimiento, se destrozan dejando perder un legado cultural. Lo que más me choca es saber que no se ve un reclamo de los artistas ni de los museos de proteger las mismas. Se que muchos pasamos por el lado de las mismas, nos lamentamos y nos da coraje pero ya tan pronto las dejamos de ver se nos olvida.


dónde veo arte

A Comer la Longa (caso MAC ante los ojos de Trance Liquido

Todos tenemos lagunas ante lo que realmente esta pasando. Por un lado se encuentran los que “apoyan” (leanlo bien), “apoyan” al MAC con ciertas condiciones y argumentos que son totalmente validos para un apoyo incondicional. Los mismos que desean una restructuración de la instituciónbasándose en modelos económicos y administrativos sustentables a si mismos, o mejor dicho, una administración funcional, lógica y economicamente estable, que no dependa de un gobierno igualmente mediocre para lograr sus objetivos. Y con estas personas me refiero a un grupo de profesionales de entero crédito y los cuales tienen experiencia laboral en instituciones de este tipo. Y aun no menciono a los tantos artistas que han visto y están cansados de tanto mangoneo y control pendejo por parte del MAC.

De otra parte están los que brindan su apoyo de forma incondicional, que me imagino que han leído y estudiado la documentación y la evidencia que tiene el MAC de todos sus procesos administrativos, desde sus inicios hasta el presente. Me imagino que tienen toda la botella aprendida para apoyar incondicionalmente y seguir en el mismo barco con el museo.

De parte del museo se han mal interpretado las peticiones y opiniones que con justa razón y circunstancias se piden. Colocando respuestas. declaraciones y argumentos que no vienen al caso, simplemente porque son directrices, responsabilidades y funciones “totalmente normales” de una institución de este tipo. Lo que pedimos son logros que lleguen a oídos internacionales, de iniciativas innovadoras, y proyectos que no terminen olvidados en archivos de los cuales solo unos pocos se beneficien.


leer más en Trance Líquido

para los que se asustan facilmente al pedir justicia...buenos ejemplos

aquí un buen consejo que me dieron una vez y que todavía funciona respecto a dealers que se portan mal:

" ...that's why the best advice I can offer if you're faced with what you believe is a sleazebag dealer is to meet individually with other artists who have shown in that gallery and subtlety probe about their experience. If you find others in the same boat then approach them about acting together. One artist complaining about a dealer might be (mis)interpreted as a Prima Donna, but several with the same story will turn the tide and convince other artists and dealers that there's a problem there, if they go public."


y para los que son perseguidos, amedentrados y acosados por e-mail...incluyendo a los stalkers que editan y alteran conversaciones y luego las pasan como historias reales en masa por ahi para poner a la escena en estado de emergencia, ustedes lo conocen:

cyberbulling

y sites relacionados:

1. Gallery Owe from Vancouver
gallery owe

2. Art Watch Dog
art watch dog

3.Bad Galleries
bad galleries

Bad Galleries is dedicated to all the people who cannot live any other way. They are blessed and cursed with who they are. They live in their studio's or offices and work at odd jobs as the art handlers, the teachers, and whatever creative solution they have imagied for the moment. Parents did everything they could to keep them from a 3rd world life in the land of dreams, and yet they live cloak and dagger in concrete bunkers without running water or heat, with only sometimes a trusty dog. Lovers often charmed by their life come and go, and with them go the promise of daily showers and kitchen luxuries like pancakes and steamed vegetables. They give up everything for what they need to be healthy, a studio practice and a safe place to do it.

This site was not made with Sunday Painters, or "artist's" who make what looks like art they think will get them a dealer. It was made for those without a choice, who have lived other lives and could never, be content. Those with vision and a need to share it. And that deserves respect.

Idealistic. Yes. Romantic...you bet ya. And perhaps that is what is missing form art today. Perhaps that is a part of the reason why it is impossible for artists to gain the stature of a DeKooning ever again. But don't patronize that attitude as stupidity, or even hopeful. It is simply an attempt for something else, as what we have doesn't seem to work.

Disgust with the current system of galleries and how both art and artists are treated fuels this. Art Fairs are atrocious displays of what art shouldn't be. Who thought it would be a good idea to rip the context from an object place it in a room with a million other such rapped ideas, and sell them to people who have never taken even one art, anthropology or philosophy class and are mostly collecting them as a way to potentially fund a beach house a few years down the road and one up there friends. And the dealers seem more concerned with finding the next hip thing, unconcerned with the longevity or quality of voice. Why, because they can sell that, it’s fresh. But young wine is never the best wine; it’s just the quickest sell, especially if you put it in a drink box for convience. Couple that with the fact that artist often will not get paid promptly or at all, or are completely treated as the little dancing monkey of the dealer, or patronized into the bar to play with their little friends while the grown ups do business. Three years later, that artist used up by the system disillusioned and confused sells fish prints in the park on Sunday's and drinks 40's of malt liquor for breakfast.

And Academia is often no better. Often academic galleries are run without budgets, or by student workers who don't have the common sense to actually do the job. Often the facilities are so understaffed and cared for that the same beige rug has covered the walls since 1970. So who gets screwed but the artist trying to show there, often finding out way too late and hundreds of shipping dollars later that spackle cannot fix this one. The artist becomes responsible for the cost. Wouldn't it be better if the large supposedly professional institution charged with enabling the next generation of our countries leaders could seem to muster even a morsel of finacial humanity for those who struggle to share their ideas. When did everything become the responsibility of the artist? Shipping, cards even the supposed privilege of the application.... charged to the artist...who I might remind you is living without their own bathroom in a old storage locker in a bad part of town.

Which brings me to vanity galleries. Galleries you can buy yourself into, despite quality of idea or craftsmanship. I have only one thing to say about that. If you have to buy your way in, you don't belong.

That having been said, artists need galleries to show there work and they need people to sell that stuff they make so that they can make more. Because we have galleries, and museums we are not simply crazy homeless people running around with tiny bits of colored mud on our clothes. They are a necessary evil. Dealers to can come in handy when all we want to do is pee in the fireplaces of collectors and have random sex with their sons and daughters. They can not only sell your stuff so you can make more, they can make you look respectable and get people to notice your contribution and not your weaknesses. A really good gallery will make your weaknesses seem like strengths.

That is why I started this site. So we can find those galleries that are the least evil. Those galleries who will treat you with the respect you deserve and take advantage of you the least. So as a professional you can make a professional and informed judgement.

And finally I asked myself why so many artists get caught up with bad galleries, we all have at least one story of a gallery that you wouldn't send your worst enemy too. WHY DO GALLERIES GET AWAY WITH IT. The answer was simple. Because we let them. We are not organized as a group, nor did we have a format.

Welcome, my friends to Bad Galleries........ this is all for you.

Creator / Editor
Wendy DesChene

Coleccionistas en Museos

Ya que la tendencia se esta dando en la isla, el año pasado con En Foco en el MAPR, las parafernalias de la opera también en el MAPR, y pronto la colección de Otto Reyes en el MAC, este review, con slide show, de Roberta Smith en el NY Times me parece muy relevante.

Roberta Smith NY Times

y Matthew Nash nos habla sobre William I. Koch en el MFA de Boston

Big Red and Shiny

Propuestas para un Museo nuevo

100 propuestas para un nuevo museo

100 propuestas para un nuevo museo es una publicación destinada a la recolección de ideas prácticas, vivas, utópicas, críticas, visionarias, insólitas, excéntricas, extravagantes, originales, singulares, en fin excepcionales, para la creación de un nuevo museo.

Definir un nuevo museo es crear los valores y prioridades que le concretan, a la vez que se produce el punto de partida para la gestión de elementos de valor cultural. Un nuevo museo debe exponer, un desarrollo dirigido a ser más accesible y que funcione como testimonio representativo al servicio de la sociedad.

Aceptaremos desde acercamientos poéticos, hasta propuesta formales, con desglose de artistas y materiales.


Ejemplos:

"Haría un huerto de hortalizas en el jardín exterior. Un puente colgante entre el Museo y la Escuela Labra. Serie de cine sobre el cine proyectado al aire libre. Invitaría a todo Santurce a mostrar las películas 8mm que encuentren en sus cajas llenas de polvo. Sólo proyectos de sonido con las salas vacías por un año entero. Biblioteca de publicaciones de arte. Haría una serie de charlas a las 12 del día, dirigidos a los laicos (no-artistas) sobre el buen diseño en el diario vivir. Pondría una tabla de expresión pública en los baños, para que el espíritu escolar de discusión en espacios sanitarios continúe vivo, aunque más profundo. Invitaría a todos los proyectos alternativos a tomar un ala del museo mientras lo repensamos. Transformaría la estación de guagua de enfrente en un puesto de trueque de "zines", folletos, manifiestos, revistas y libros. El Museo se debería convertir en un espacio libre de carros por completo y de hecho lanzar un proyecto de intercambio de bicicletas desde su portón principal. ¡Eliminar la recepción!"


Posibilidades:
1 imagen y un máximo de 300 palabras
600 palabras
2 imágenes
1 imagen SPREAD

Requisitos y especificaciones:

Titulo, nombre o encabezado.
Imágenes:
Full Color 300dpi/RGB
SPREAD – 9in X6in
SINGLE PAGE – 6in X 4.5in
Límite de palabras:
300 palabras (Formato DOC. o RTF)
600 palabras

Información personal:

Foto o Imagen (opcional)
Nombre Completo (se aceptarán anónimos y seudónimos)
Correo Electrónico
Web

Envia tu propuesta a: 100propuestas@gmail.com

Fecha limite: 18 de marzo de 2008.

Arte en el Choliseo


Williams Carmona pinta a Daddy Yankee
 (comisión para el Choliseo)

en la tierra del baile, botella y baraja...


"ay bendito, que pueblito"...o periodiquito...es que a veces parece que el Día no se coje esto del arte en serio. Yo entiedo que todos tenemos que hacer chavos y aceptar comisiones, pero algunas cosas mejor se mantienen en secreto ó se identifican como lo que son... no todo tiene que ser high art. Este tipo de artículo y obra, en el contexto de arte, confunde.  


 Jeff Koons  Michael- Jackson and Bubbles



Britney Spears por Daniel Edwards 
 Monument to Pro-Life: The Birth of Sean Preston



Kate Moss como una esfinge por Marc Quinn



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Por María Ivette Vega Calles / mvega@elnuevodia.com

Aunque en su trayectoria el pintor William Carmona ha plasmado la realidad en sus obras, desde el año pasado tiene que capturar con más frecuencia la esencia de una persona real, aún sin conocerla.
Éste es el principal reto de uno de los proyectos más recientes del artista, a quien el Coliseo de Puerto Rico le encomendó que pintara a todas las estrellas que allí se presentan, para darles la obra como recuerdo de su visita.

En su agenda
Otros proyectos que William Carmona tiene este año incluyen una participación en el evento Arte América, a finales de este mes. También, la subasta de su obra “Jugadores de dominó pa’ la suerte”, en Christie’s de Nueva York, la realización de su libro de pintura a cargo de la escritora Susan Albert y comenzar a trabajar en una exposición de esculturas que presentará el próximo año en el Museo de Arte de Puerto Rico. “Hago una representación del artista un tanto surrealista, que capture el mundo mágico de ese ser. Leo su biografía y me baso en fotografías tratando de ver más allá”, afirmó.
Carmona desarrolla la obra sobre una pieza de cartón que lleva una gráfica estampada -la que representa muchos boletos de los eventos que se han presentado el recinto- y la estructura del Coliseo.

Algunos de los artistas que ha pintado hasta el momento son Elton John, Michael Bolton, David Bisbal, Alejandro Sanz, Draco Rosa, The Police, Ricky Martin y Daddy Yankee, entre otros.
Precisamente, la reacción de los artistas al ver la obra ha sido uno de los aspectos más interesantes de este proyecto, según Carmona.

“No ha sido tan fácil llegar a ellos. Hay unos que no quieren recibir a nadie antes del concierto, porque no quieren perder la concentración. Pero luego cambian al ver la obra. Por ejemplo, Ricky Martin quedó muy impactado, al igual que Daddy Yankee y Draco, quien es mi amigo, quedó muy conmovido. A Michael Bolton también le gustó mucho y quiso que le hablara sobre su significado”, destacó el artista.

Uno de los ejemplos más significativos de la reacción de los artistas es la de Elton John, quien no quería recibir absolutamente a nadie en su camerino, ni siquiera a gente de la producción, pero cuando vio la obra se emocionó y fue muy simpático.
“Me dijo: ‘Mi respeto a usted, maestro’ y le dije ‘no, el maestro es usted’. Y me dijo que lo iba a colocar en su cuarto de música. Hasta se despidió de mí con dos besos, como hacen los europeos. Todo ese enigma que lo rodea se perdió, porque lo que quedó al descubierto fue su calidad de ser humano”, afirmó Carmona, quien también destaca que esta iniciativa demuestra la bondad del puertorriqueño.

Y es que para él, la satisfacción ha sido doble porque muchos de estos artistas son amantes del arte y cuentan con colecciones privadas significativas. Por otro lado, Carmona contó que en algunas de sus piezas se atrevió a tocar sutilmente una controversia del artista, como sucedió con Alejandro Sanz, a quien le dibujó un niño pequeño en alusión al hijo que tuvo fuera de matrimonio. Sin embargo, Sanz quedó encantado.

Otra de las experiencias que ha tenido es que el artista en el que se ha inspirado ha resultado ser muy distinto a lo que proyecta a través de su imagen en los medios. Así le ocurrió con Daddy Yankee, cuya imagen dura contrasta con su calor humano, algo que -sin embargo- Carmona captó y reflejó en la obra.
Por el momento el pintor continuará trabajando en este proyecto, pues supone que en el futuro también participarán otros de sus colegas.

Se espera que en septiembre, cuando sea el cuarto aniversario del Coliseo, se presente una exhibición con todas las piezas.

Carlos Betancourt Marcando Territorios

otro de la maleta, este s uno de mis favoritos...


Marcando Territorios con Carlos Betancourt
Pedro Velez

Brazen bodies with black charcoal, ink, leaf, and poetry, and otherwise
ordinary earthly materials are a few of the tools Carlos Betancourt
uses in the process of metaphorically tatooing restless models.
These markings are presented in monumental banners in which the artist
documents his fixartion with the symbols of the Pre-Colonial Taino
culture from the Caribbean and the contemporary world of
advertising. At first glance both wolds mingle and flirt in the
surface of the glossy banners but closser inspection reveals a clash of
opposites, a forceful union of the irreverence associated with the
advertising and the humble grace of ancestral symbols.

Betancout's existential tantrums are channeled through a hybrid text he
writes and draws obsessively on the human body. Although it has
the form, feel and rhythm of poetry, the organic text functions as the
documentaiton of an action- a sadist gesture or intimate argument that
the viewer will never be able to fully read or understand but only
experience. Such is the cas in "Los Iluminados" 2003 ( from
Interventions in Wynwood I), where a crestfallen brunette stands
unclothed, completely covered in black scribbles but for her left hand
whcih has been rubbed with blue dust. In company of the model are
3 sarcastic looking and odd Christmas adornments, illuminated from
their hollow insides, whose attire and posture resemble choirboys.

Another photo in the series has a woman, looking tired and lonesome,
sitting still on a wooden bench and staring at the infinite while
listening to the muted singing statues. As part of the scribbles
that cover her pale leg one can read: "Comandante Guevara".
Not much of El Che is meant as a political reference but as conscious,
melancholic effort to trace his genealogical tree that spans from
Puerto Rico to Cuba and Miami. By tracing his roots and his history
Betancourt makes a mark, or pees his territory as dogs so, leaving the
scent of his cultural backgorund, his experience, taste and self.

Violence in product placement and the assault of the senses by excess
in visuals are tactics that Betancourt uses to perfection, not only in
the epic scope of his work and quality in the image but in the
subordination of his models, as seen in the series "Coupon Key, Robert
Miller 2003, (Bob's Storm). Here, a male model lays face down on
a dirty sidewalk, in a pose reminiscent of Ana Mendieta's rape
incident; the male model seems to have been submitted to
irreverent, almost sadomachoist scribbling and styling of Betancourt.

While the artist dresses his models, willing or not, in his signature
style, other photo series have him as the subject. Example is
"Untitled", 2003-04( next to natural Semi, from the Vieques and Rincon
Series), where the artist lays bare on top of a waterfall, naked but
for dirty tennis shoes to which the gaze is drawn. The rapture of the
gaze by such ordinary object amidst the pure environment sends signals
to the viewwer that point to a campy and eerie reading of the
piece. Here the artist performs the role of afflicted
contemporary cult leader, shaman, leper, messiah or new age exorcist in
waiting. Just like the members of the "New Millennium Cult," that
so in famously awaited the Second Coming of the Christ in black
uniforms and Nike shoes.

Dirty and obsessive, Betancourt's colonization of his identity and that
of others, sets Betancourt apart form the cliched Latino aesthetic
based on the glorification of the body and its relationship to the
natuire and self. Instead, and more like Cindy Sherman, Vito
Acconci and Vanessa Beecroft, Betancourt glorifies himself as a product
and as a signature.

Art Chicago '03 riviu (Santiago Cucullu, Julie Verhoven, Sergio Vega, Peres Projects)

otro review de la maleta...aquí uno publicado en Arte al Día sobre la prescencia latina en Art Chicago 2003.


Art Chicago 2003

Art Chicago 2003
by Pedro Velez

The 11th annual Art Chicago, presented by Thomas Blackman Associates, featured 200 galleries exhibiting the work of approximately 2,000 artists.

This year's edition of the fair included a significant representation of dealers from California, New York, Chicago, and Korea. Some of the trends that could be appreciated at the fair revealed an emphasis on drawings on paper, small-scale sculpture, and the revival, in every medium, of figurative work with a touch of surrealism. Remarkably, most of the memorable art came from a group of contemporary Latin American artists working in all sorts of media and concerned with a great variety of themes. Participating galleries from Latin America included, among others: Nara Roesler, Brazil; Galería El Museo and Fernando Pradilla, Colombia; Arte Actual Mexicano and Praxis, Mexico; Galería Altxerri and Galería Metta, Spain; and Galería La Casona, Cuba.

The highlight at Rhonna Hoffman Gallery (Chicago) was Thomas Hirschhorn´s impressive Necklace CNN, a large-scale sculpture of a golden chain (made of foil, tape and cardboard), with the CNN logo attached to it. In sharp contrast with the monumentality and showinessof Hirschhorn´s workwas Shirley Tse's Cinderblock Dream of Being Styrofoam, presented by Shoshana WayneGallery (Santa Monica). Tse's piece is an excellent wall relief made of blue styrofoam, which looks like a weird archeological find from outer space.

The Mexican dealer Enrique Guerrero gave center stage to Pedro Reyes and his installation Sad but Happy, a beautiful and functional structure in steel and plastic, inside which viewers were allowed to crawl. Also at Guerrero, an amazing Guillermo Kuitka drawing of what seems to be a melting concert-hall sitting-chart. Titled Holiday Inn, Kuitka's piece is a sad reflection on how an empty architectural space affects mood.

Art Chicago veteran Galería Espacio Mínimo (Madrid) did not disappoint with a vulgar and exotic installation by Enrique Marty, consisting of a living room area that has been decorated with wallpaper, paintings, a video and life size sculptures of grotesque characters who bleed through their mouths. Less flashy, but as elaborate as the installation at Mínimo, were the photos and sculptures by Argentinean-born Gainesville-based artist Sergio Vega, presented at Julia Friedman Gallery (Chicago). My favorite piece, Amphibian Retreat, is an imaginary and elaborate architectural model that the artist has adorned with the head of an alligator and thathas the texture of a serpent's skin. Also at Julia Friedman, watercolors by Santiago Cucullu, a young artist born in Argentina and raised in Washington, whose works were recently included in How Latitudes Become Form?, at the Walker ArtCenter in Minneapolis. Cucullu's intricate watercolors featurepiled-up houses, buildings and stairs creating pseudo-sculptural spaces that look like mountains.

The most attractive booth in the fair was by Bodybuilder and Sportsman Gallery (Chicago), thanks in part to "All of it/ Everything", a mural by Ken Fandell, one of the city?s most respected conceptualists. The 12 by 6 mural consists of color photographs of flowers (some in full bloom and others dying), in an installation comprising 65 images from a project of over 500 images. The piece questions our desire to invest emotionally in nature and in nature's imagery. Ultimately, this piece is about wishful thinking, love and failure. A great accomplishment, considering that love can be such a cliché in art.

Praxis International (Argentina) presented paintings by Ignacio Iturria, while Jacob Karpio (Costa Rica) exhibited Ten con Ten, a beautiful abstract assemblage made of layered pieces of blue plastic and paper, whose author was the Puerto Rican artist based in New York Ivelisse Jiménez.

The two most talked-about artists in the fair were Julie Verhoeven and Amy Dicke.The former, represented by Mobile Home (London), exhibited a series of figurative drawings that combined cartoon-like figures and fashion. And Amy Dicke presented at newcomer Peres Projects from LA, a wall installation of drawings/ portraits made in true gothic rock style.

Another gallery from the West Coast was Lizabeth Oliveria Gallery, whichfeatured paintings by Nick Ackerman. Ackerman's imagery consists of a tastefully colored array of explosions, text and numbers floating over mountains or just in plain air.

From Havana, Cuba, Galería La Casona featured the paintings of Roberto Diago and René De Jesús Pena, and photographs by Marta María Pérez Bravo. At Galería Visor (Valencia),Valentín Vallhonrat made an impressive debut with his Room For Love Series, a group of photographs of bedrooms, so excessively decorated and baroque that it was hard to think of them as real and not as staged by the artist.

Galleria Pack, from Italy, staged works by Nicola Di Caprio combining photography and music. In Possible Landscape: Chicago, the artist featured a photo of his collection of records, only the records made in or related to Chicago, in an attempt to construct a sociological portrait of the city.

But the surprise of the show came from the Puerto Rican artist Cándida Alvarez, at Rena Bransten (San Francisco), with Blink, a fascinating diptych in which the image of a dead deer, painted in black, accompanies that of a landscape as seen from a moving vehicle. Blink is a reflection on death, memory, and beauty.

Mario Alegre se Despide (sort of)

Mario se despide como editor de la sección de cultura.

Hace unos días mencionamos en el Box que el Día y sus nuevos dueños Chilenos, locos por votar a todos los que puedan antes de la re-estructuración, estaban moviendo a los editores de sus respectivas secciones en plan de que en otras secciones ajenas cometan errores y se sientan humillados. El viejo truco.

Independientemente de las diferencias que Mario y yo tuvimos durante los últimos años, (todas en la arena pública y accesibles en los archivos de esta publicación), no estoy alegre de verlo en esta situación. Lo menos que se merece es nuestro respeto por sus años de dedicación al periódico y a nuestra cultura.

Le deseamos suerte.





02-Marzo-2008 | Mario Alegre Barrios
Ágora

Como escribió León Felipe...

Esto ya lo he escrito antes: vivo obsesionado con la idea de que son muchas las cosas que hacemos a lo largo de la vida sin la conciencia plena de que las estamos haciendo por última vez. Hay en las vidas de todos innumerables últimas veces: infinidad de últimos besos, bastantes últimos abrazos y miles de miradas y palabras que tampoco se repetirán, que sucedieron sin que nos diésemos cuenta en ese instante de que no volverían a ser.

Sin embargo, hoy sé con bastante certeza que ésta es la última vez que escribo en esta sección... al menos como su Editor, con toda lo que significa sentir como propio lo que se ama desde la entraña.

Son casi diecinueve años y no sé si son muchos o son pocos, pero para mí -más allá de lo que representen en el calendario- han sido sin duda los más importantes de esta única vida que tengo, porque no es lo mismo tener 32 que 51, sobre todo cuando, en la misma medida en que la edad aumenta, el tiempo se percibe de una manera paulatinamente distinta, más por las huellas que va imprimiendo en la memoria que por la conciencia misma de su paso, más por las marcas que nos deja en el alma que por las que nos borra, más por lo que se lleva y por lo que trae que por sus promesas.

Justamente el 21 de mayo de 1989 esta Redacción de El Nuevo Día -donde los días están marcados por un frenesí en el que todo se inicia y termina con la misma inexorable precisión con la que el sol llega cada mañana- comenzó a convertirse en mi hogar y en cómplice de mi manera de concebir el mundo a través de un código cifrado en la palabra escrita, en sintonía -para mi fortuna- con lo que algunos años antes comenzaron a anticiparme Verne y Salgari, Gheorghiu y Cronin, Hemingway y Paz.

Ese fervor por el verbo escrito como cimiento de puentes con los demás comenzó a ser también -casi de manera simbiótica- placer y piedra para edificar, de la misma manera que conjuro para restañar las heridas que la vida deja a su paso por el solo hecho de transcurrir.

En ese andar, estas páginas de “papel periódico” que usted tiene en sus manos han sido mi casa, mi hogar letrado, en el que las palabras han viajado de ida y vuelta sin más ambición que hacerse vuestras, de intentar un gesto a quien se encuentre con ellas para convocarlo a este inacabado e inacabable quehacer en el que escribimos y leemos -como decía Octavio Paz, el “Poeta del Sol”- para poblar nuestras soledades con un diálogo silencioso, porque escribir es tender una mano, abrirla, buscar en el viento un amigo capaz de estrecharla. Es un intento de crear una comunidad. Y nada más.

Despedirse de las cosas que se aman nunca es fácil. Decir adiós a esta sección no lo es. No es que me vaya de El Nuevo Día -la sección de Cultura tampoco- pero sí me mudo. No muy lejos, pero me mudo.

Quizá nos sigamos viendo, un poco a la distancia, para continuar siendo mutuamente parte del inicio de nuestros días: usted, con este diario entre sus manos y una taza de café; yo, con la ilusión perpetua del encuentro con su mirada en este espacio para iniciar la aventura de cada día, de la misma manera como ha sido desde hace 19 años.

No es cuestión de ponerse triste... sólo escribía en voz alta. A todos ustedes, gracias... muchas gracias.

Mejor termino... por eso, como escribió Léon Felipe, “ahora, aquí... rompo mi violín... y me callo”.

MAC: Miyuca vs Krens y todas las Juntas de museos

Hace meses Jerry Saltz comentaba sobre la posible renuncia de Krens. También les incluyo el artículo de Carol Vogel en el NY times donde se menciona la labor de una Junta real, no de plástico como la del MAC.


HOW TO REBUILD
THE GUGGENHEIM
by Jerry Saltz


On the last day of July, the art world awoke to a disturbance in the Force. The New York Times announced that Lisa Dennison, the director of the Guggenheim Museum since only 2005, would be leaving to become executive vice-president for Sotheby’s North America. Dennison wasn’t the best director around; she may have been only a puppet. But she was capably playing the role of Gerald Ford to this troubled institution, helping to bring the Guggenheim back from its 17-year nightmare under the reign of Thomas Krens. This self-styled shah of culture and franchising has been described as "cold, distracted and rarely on hand." I would add reckless, destructive, myopic and misguided.

Since Krens took over in 1988, the air around art at the Guggenheim has been distorted and toxic. Yet since he left his directorship in 2005 to run the Guggenheim Foundation, which oversees all five museums (New York, Venice, Berlin, Bilbao, Las Vegas), the institution has shown auspicious signs of actually putting his tenure behind it. Under Dennison, the specialized but scintillating collection of early-20th-century art was intelligently reinstalled so that batches of excellent women and lesser-known artists are featured alongside the big guns. Very good contemporary exhibitions have taken place, most recently this summer’s smart show of recent acquisitions and art from the permanent collection. Curated by Kevin Lotery, Ted Mann and Nat Trotman (under the supervision of Nancy Spector), this sampler was loaded with serendipitous juxtapositions, and showed the Guggenheim shunning spectacle and stressing art again. The soon-to-open Richard Prince survey could be really good, and this winter’s Cai Guo-Qiang retrospective, as well as other exhibitions in the works, are all good signs.

But something rotten is brewing. Krens has been up to his corrosive old tricks again. With breathtakingly bad timing last year, just days before Israel and Lebanon exploded into war, Krens announced that the Guggenheim would build a 300,000-square-foot edifice designed by architect Frank Gehry, on a spit of land called Saadiyat -- Arabic for "Isle of Happiness" -- in Abu Dhabi, the capital of the United Arab Emirates. The Emirates also has plans to build a branch of the Louvre designed by Jean Nouvel, a maritime museum by Tadao Ando, and a performing-arts center by Zaha Hadid. The Guggenheim Abu Dhabi, dubbed "GuggAbu" last year by arts blogger Tyler Green, will sit atop a slender peninsula jutting into the Persian Gulf. The building is to be completed by 2011 at a cost estimated to be between $200 million and $400 million. Slated for construction nearby are dozens of luxury hotels, three marinas, two golf courses, high-end apartments and fancy villas. Crown Prince Sheikh Mohammed bin Zayed al-Nahyan says this $27 billion Sodom-plus-Vegas on the Persian Gulf is expected to draw three million tourists a year by 2015 and will be an "upscale cultural district."

At the time of the GuggAbu announcement, Gehry hadn’t even begun designing. Calling the building "a rush job," he opined, "It’s got to be something that will make sense here," adding, "I know it’s hot. Being situated on the seafront means we might have sandstorms." He should have added that being situated on this seafront also means it’s possible the whole peninsula will be under water in a hundred years. Perhaps those watching it go under will think that’s where this air-conditioned Xanadu belongs.

Krens notes that the UAE "has the resources" to build this project. He’s certainly right there. Abu Dhabi harbors nine percent of the world’s known oil reserves and four percent of its gas. However, it also harbors something else: a stringent anti-Israel policy. Numerous government sites warn that Israeli passport holders and travelers whose passports bear Israeli stamps will be denied entry visas to the Emirates. Thus, the Guggenheim -- founded by a Jewish family, an institution with Jewish curators and scores of works by Jewish artists, designed by the Jewish Gehry -- isn’t really welcome either. (Nor are other marginalized groups: Two years ago, a UAE government official said, "Our society does not accept queer behavior either in word or action." Maybe that means art by queers won’t be welcome in the GuggAbu.) As of July 2006, it was reported that no nudes were to be shown, nor anything deemed "controversial."

None of this fazes Krens. "This is a minor issue," he said last year. "Our challenge now is to define the next generation of Guggenheim museums." Actually, the word next is misleading because there was no earlier generation. Most of those either went belly-up or never materialized, in places like Taiwan, Rio de Janeiro, Singapore and St. Petersburg. The failed plan for Rio called for a tropical rainforest, a 100-foot waterfall, suspension bridges, and a sunken lobby with underwater views of a reflecting pool. Perhaps he’ll announce a Guggenheim Machu Picchu next, or a Guggenheim Great Wall.

The big success on which all this bluster is based is, of course, the Guggenheim Bilbao. That building does work, but only economically, as a tourist attraction, as a source of civic pride and a leverage tool for Krens. It looks like a shiny, undulating amusement-park ride from the outside. It’s great. The inside, however, is so oversize and jazzy that it is awful for art (except that of the artist who inspired much of Gehry’s thinking, Richard Serra). Krens and Gehry, great as they are as a team, should not build museums together -- not in Abu Dhabi, not anywhere. They should be given the contract to build every Wal-Mart in America. That would change the way American architecture looks and the way Americans look at architecture. Krens and Gehry would be heroes. America would be lucky.

In the late ‘80s, when he took over, Krens did some good. He brought the Guggenheim into the present after it had drifted for years. He sold some of the collection but was behind numerous important acquisitions, including the great Panza collection. Then he saw something before others. He understood that culture was going to be big business and that institutions like his could be franchised. He dreamed of shining museums on hills, and tried to build them. That was the beginning of the end.

Krens broke faith with art long ago. Now he crows about meeting with "business moguls, governors [and] mayors," and boasts, "In the last three years, more than 130 cities have made an initial inquiry into doing something like Bilbao." His traveling lecture is called "Developing the Guggenheim into a Global Brand." But under Krens the Guggenheim brand has been not art or exhibitions or even the collection but Building Buildings. And even that was a lie -- they were all Coming Soon, and in reality every one was Coming Soon But Never Comes.

Though I love the Guggenheim’s Frank Lloyd Wright mother ship on Fifth Avenue, one thing this museum has needed for years has been more wide-open, non-spiraling space in New York. Krens did open a SoHo branch in 1992, but it folded in 2001. (In a nice bit of symbolism, the building now holds a slick Prada store.) He also tried to have Gehry build a behemoth near the South Street Seaport, but that never worked out either. Then he switched back to his international aspirations. Thus, Krens’s world adventures aren’t just silly, sad, misspent and maddening; they’re tragic. Imagine if, instead of squandering the Guggenheim’s good name, and rather than pouring time and money into showy boondoggles around the globe, Krens had secured a large space somewhere in New York City, and created something like what the Tate did in London -- a sort of Guggenheim Modern for rotating shows and space for the permanent collection.

In his heyday, Krens was the one American museum director with the hubris, clout and drive to pull something like this off. His dictatorial power accomplished some good things, but at far too high a price. By now his so-called vision can be seen for what it is: a ruse masquerading as a wow. The only thing Krens did was mix Museum Mile with Broadway. Dreaming of blockbusters, he created palaces and high-concept productions dependent on one-time, out-of-town visitors. Krens accessorized the museum’s shell, but he neglected and betrayed art. The Guggenheim Abu Dhabi is just more of the same but on a grander scale. Krens ushered in the ill-begotten era of constructing glitzy trophy museums and then simply filling them with art. He and the ideology came in with Reagan; they should go out with Bush. It is time for the trustees and excellent curators of the beloved Guggenheim to complete the process they seemed to be initiating so admirably before Dennison’s ill-timed and egregious abdication, and together take back the rotunda and get rid of Krens.

WHO SHOULD GET THE JOB

Hiring a new director for the Guggenheim will be tricky. It will be extremely difficult for any candidate to unequivocally say, "Krens must go," if only because he’ll have a major hand in the hiring. Nonetheless, an independent-minded director is a necessity if the museum is to recover. The last director of the Guggenheim was a woman, and the next one should be, too. Four candidates come immediately to mind: the chief curator and associate director for programs at the Whitney Museum, Donna De Salvo; the current director of UCLA’s Hammer Museum, Ann Philbin; the departing director of the Walker Art Center in Minneapolis, Kathy Halbreich; and the Studio Museum in Harlem’s Thelma Golden.

Whoever takes the job must not do so without a number of ironclad agreements in place. Assuming the director can’t fire Krens outright (presumably only the board can do that), she must stipulate that she has control over appointing and releasing all board members and employees. She has to sign off on all activities and exhibitions in all present and future Guggenheims, constructing a legal firewall between Krens and the Guggenheim. He should not be allowed to take one dime of Guggenheim money for any project, and she should try to get out of the Abu Dhabi project. Krens must have no role beyond an advisory one -- and without payment, from either the museum or its trustees or other backers. If this new director can defang Krens, then -- and only then -- might there be a bright future at the Guggenheim.

JERRY SALTZ is senior art critic for New York Magazine.


By CAROL VOGEL
Published: February 28, 2008

After nearly 20 years, Thomas Krens, the provocative director of the Solomon R. Guggenheim Foundation, is stepping down, its board announced on Wednesday.

The move comes three years after Mr. Krens triumphed in a him-or-me showdown with the foundation’s biggest benefactor, the Cleveland philanthropist Peter B. Lewis. Mr. Lewis resigned after arguing that Mr. Krens was spending too much money and should focus more on the foundation’s New York flagship museum rather than on funneling resources into developing Guggenheim satellites around the world.

In a statement on Wednesday the foundation emphasized that Mr. Krens would remain at the foundation as a senior adviser for international affairs, overseeing the creation of a 452,000-square-foot museum in Abu Dhabi to be designed by Frank Gehry.

In resigning as director Mr. Krens is clearly taking his cue from the Guggenheim’s board. “This is something that Tom and the board decided together,” Jennifer Stockman, the board’s president, said. She characterized Mr. Krens’s new position as a “natural transition.”

She added, “The museum is in a strong position to move on.”

The foundation said that Mr. Krens would remain as director until a successor was hired, and that the search would begin immediately. But it added that the institution would revert to the management structure that existed until 2005, appointing a director who would run the Manhattan flagship and Guggenheim satellites.

In September 2005 the foundation promoted Lisa Dennison, then a deputy director and chief curator, to director of the Manhattan museum. She served less than two years, departing last summer to join Sotheby’s auction house as an executive. Curators and other museum directors have been saying privately for months that the Guggenheim has been unable to fill the crucial job of director of the New York museum. They said that candidates who were informally approached were not shy about communicating that they would not work under Mr. Krens, who is known as a difficult personality.

Supporters of Mr. Krens, however, say he has been disappointed with the foundation’s board, especially its shortage of particularly generous donors. With no replacement for someone like Mr. Lewis, who gave the Guggenheim about $77 million overall — nearly four times as much as any other board member in its history — the Guggenheim may not have the financial muscle to keep growing, some art-world insiders say.

Mr. Krens cast his job change in a positive light on Wednesday. “This is a great move for everyone,” he said in a telephone interview after stepping off a flight from Paris to New York. “In July I will have been at the Guggenheim for 20 years, and I like that round number.”

A towering 6 foot 5, with an M.B.A. in management from Yale and a manner that is often taken for arrogance, Mr. Krens, 61, has long been synonymous with the Guggenheim. He is best known for his ambitions for developing an international network extending from Las Vegas to Bilbao, Spain, and for the types of high-profile exhibitions he presented, including shows like “The Art of the Motorcycle,” a personal passion, and ones that tackled entire countries like China and Brazil.

He has also organized trend-setting shows of contemporary artists, among them Matthew Barney, Richard Prince and, most recently, Cai Guo-Qiang.

Mr. Krens has drawn criticism for some of his programming choices, including a show devoted to Armani suits underwritten by the fashion house itself.

The new director of the Guggenheim will face the task of balancing growth with acquisitions for the permanent collection and organizing high-profile exhibitions. In addition to overseeing the New York museum, the director will have authority over the Peggy Guggenheim Collection in Venice, the Guggenheim Bilbao, the Deutsche Guggenheim Berlin and the Guggenheim Hermitage Museum in Las Vegas.

“The New York museum is the center of the entire constellation,” Ms. Stockman said.

Although some critics argue that Mr. Krens has in effect turned the Guggenheim into a McDonald’s-like franchise at the expense of expanding its collections and endowment, he has actually created a model for expansion that is being copied by institutions around the world, including the Tate in Britain and the Louvre in France. The titanium-clad Guggenheim Bilbao, designed by Mr. Gehry, is viewed as a major success, attracting more than a million visitors every year since it opened in 1997.

During his tenure Mr. Krens has increased the Guggenheim’s endowment to $118 million from $20 million, although he has been known to dip into the endowment to cover operating costs. (The museum’s endowment dropped by 20 percent from 1998 to 2005, when it was $45 million, which drew harsh criticism from Mr. Lewis.)

In 1989 Mr. Krens negotiated a gift of Impressionist paintings from the widow of Justin K. Thannhauser, acquired the Panza di Biumo collection of Minimalist art and oversaw the commissions of major artworks by Jeff Koons, James Rosenquist, Rachel Whiteread and Gerhard Richter at Deutsche Guggenheim Berlin. These works later became part of the Guggenheim’s collection.

In Bilbao Mr. Krens led an acquisitions program that has included major installations of works by Richard Serra, Mr. Koons, Jenny Holzer and Louise Bourgeois. He also has doubled the size of the Peggy Guggenheim Collection and partnered with the State Hermitage Museum in St. Petersburg, Russia, and the Kunsthistorisches Museum in Vienna on programming.

Twice Mr. Krens has overseen the restoration and expansion of its landmark Frank Lloyd Wright building on Fifth Avenue. The first, completed in 1992, was an $80 million restoration of the building’s interior, along with the construction of a 10-story tower gallery and office building designed by Gwathmey Siegel & Associates.

The second, a $29 million restoration of the Wright building, is to be completed this summer.

Mr. Krens said Wednesday that the proposed Guggenheim in Abu Dhabi, capital of the United Arab Emitates, was his most ambitious project to date.

“It’s 35 percent larger than Bilbao,” he said, adding that the new museum’s programming would be more ambitious, too, and that a staff of about a dozen people would be dedicated exclusively to the Abu Dhabi branch.

“It will be truly global,” he said, “representing art from the Middle East, Russia, Eastern Europe, Asia, Africa, as well as Europe and America. It will change the model of the art museum.”

Ya que estamos hablando sobre Museos...

Solo basta con un ejemplo...hagan su comparación...


The Age of Rembrandt: Dutch Paintings in the Metropolitan Museum of Art with Philippe de Montebello, Director of The Metropolitan Museum of Art.



Sensation y Rudolph Giuliani en controversias...miren como la gente habla y discute,
igualito que aquí.



directores accesibles a todos, wow...
Interview with Robert Haywood, Deputy Director at the Contemporary Museum in Baltimore. This is during the exhibition "Broadcast."



Hans Ulrich Obrist, (el que ayudo a los Cazadilla), Swiss curator, art critic, artist, scientist, writer, curator, composer, architect, thinker talking and lecturing about his interviews and discussion with Philippe Parreno and architects, urbanists, scientists, linguists, philosophers and non-mainstream filmmakers, conversations between the temporal dimensions of visual production...